Blog del Instituto Cervantes en Utrecht

Por Mayke Merkx, alumna de español
fotos: Mayke Merkx

De meest bekende Andalusische steden zijn Granada met het Alhambra, Cordoba met de Mezquita en Sevilla met de toren Giralda en het paleis Reales Alcázares. Het beeld van Andalusië is een samenstelling van sociale en maatschappelijke invloeden. Andalusië was de provincie die het hele land vertegenwoordigde. Het beeld van Andalusië kwam overeen met de droom en de verbeelding van de reizigers in de Romantiek; een paradijs dichtbij het oosten waar het verleden nog zichtbaar was.

Met de komst van de stoomtrein en stoomboot aan het einde van de negentiende eeuw werd het makkelijker om te reizen. De Europese burgerij reisde als tijdverdrijf en bepaalde het beeld van Andalusië. In vergelijking met andere Europese landen, was Spanje meer landelijk in de negentiende eeuw omdat ze nog niet zoveel industrie hadden als in de rest van Europa. En hierdoor ontstaat de tegenstelling van weinig ontwikkeling ten opzichte van de ontwikkeling.

In deze tijd werd Spanje verkocht aan Europa met het gevormde beeld van Andalusië. Eerder had de kunst over het algemeen een religieus thema maar in de negentiende eeuw begon de high society beeldende kunst te kopen. Andalusië werd buiten Spanje verkocht door schilderijen en lithografieën. De onderwerpen van de schilderijen waren typisch Andalusisch zoals een veemarkt, stieren, Andalusische danseressen en de processie in de Semana Santa in Sevilla. Daarnaast was de oosterse architectuur in Andalusië erg populair. Zelfs in de Verenigde Staten en Cuba is nog de invloed te zien van de architectuur uit het midden-oosten. Dit was ook een gevolg van de belangstelling voor Andalusië in het buitenland.

Reizigers schreven boeken en krantenartikelen over hun reizen. De mensen wilde afbeeldingen zien in boeken en tijdschriften. Het beeld van Andalusië werd op deze manier door heel Europa verspreid. De Engelse schrijver Richard Ford, reisde vier jaar door Spanje en schreef een handboek voor de reiziger (“Handbook for Travelers in Spain”). Een merkwaardig detail: Richard Ford maakte in 1839 een kleine graffiti; hij kerfde zijn naam in de fontein van de ”Patio met Leeuwen” in het Alhambra.

Andalusië vertegenwoordigde Spanje op de eerste wereldtentoonstellingen. In 1851 in Londen met “El Patio de los Leones” uit het Alhambra; in 1867 in Parijs met het Moorse paleis “Real Alcázares” in Sevilla en in 1900 in Parijs met “La giralda” in Sevilla. Beter gezegd ze bedachten Andalusië tussen Parijs en Londen. Reclameslogans waren: Andalusië, Europees gemak in het oosten” of “romances of the east with comfort of the west”. Tot vandaag de dag wordt het beeld van Spanje bepaald door deze beeldvorming in de negentiende eeuw.

Een interessant boek over de culturele en literaire geschiedenis van Sevila is: Seville, Córdoba and Granada. A cultural and literary history, de Elizabeth Nash.

Dit artikel is geschreven naar aanleiding van een conferentie in het Instituto Cervantes Utrecht: “Het beeld van Spanje in de wereld” met Ángel del Prado in 2007. Naar aanleiding van mijn vakantie in Sevilla heb ik het oorspronkelijke artikel aangepast.

We willen u op de hoogte brengen van de laatste tentoonstelling in het museum «La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando» in Madrid over Richard Ford, reiziger en hispanist. Ford schreef het boek «Handbook for travellers in Spain» en maakte veel tekeningen tijdens zijn reis door Spanje, maar hij was onbekend als tekenaar. De tentoonstelling is een overzicht van de tekeningen die hij maakte van 1830 tot 1833. 

Las ciudades andaluzas más famosas son Granada con la Alhambra, Córdoba con la Mezquita y Sevilla con la Giralda y los Reales Alcázares. La imagen de Andalucía es un compuesto de influencias sociales y culturales. Andalucía era la provincia que representaba a todo un país. La imagen de Andalucía se correspondía con el sueño y la imaginación de los viajeros durante el Romanticismo; un paraíso cerca del Oriente y donde el pasado sigue siendo visible.

Con el desarrollo del tren y el barco de vapor al final del siglo XIX, viajar se hizo más cómodo. La burguesía europea viajaba por ocio y supuso de la alguna forma la invención de la imagen de Andalucía. En comparación con otros países europeos, España era más rural, porque aún no tenía tanta industria como el resto de Europa. Por ello existía el contraste de los países menos desarrollados frente a los países desarrollados.

En ésta época quería venderse España a Europa con la recreada imagen de Andalucía. Hasta entonces el arte tenía en general un tema religioso, pero en el siglo XIX la alta sociedad empezó a comprar arte figurativo. La imagen de Andalucía se empezó a vender con cuadros y litografías fuera de España. Los temas de los cuadros eran típicos andaluces como una feria de ganado, toros, bailes andaluces, jardines y las procesiones de Semana Santa de Sevilla. Además la arquitectura oriental de Andalucía era muy popular. Incluso en los Estados Unidos y Cuba se puede ver aún la influencia de esta arquitectura.

Los viajeros escribían libros y artículos en la prensa de sus viajes. La gente quería ver ilustraciones en revistas. De esta manera se divulgó a gran escala la imagen de Andalucía por todos los países de Europa. El escritor británico Richard Ford, viajó cuatro años por España y escribió un libro para viajeros: Handbook for Travelers in Spain. Un detalle curioso: Richard Ford hizo en 1839 un pequeño grafiti y grabó su nombre en la taza de la fuente del Patio de los Leones en el Alhambra.

En las primeras exposiciones universales, Andalucía fue la representante de España.

En 1851 en Londres con el Patio de los Leones de la Alhambra, en 1867 en París con el palacio morisco de Real Alcázares de Sevilla y en 1900 en París con La giralda de Sevilla. Mejor dicho Andalucía se inventó entre París y Londres. Eslóganes de la publicidad eran: “Andalucía, confort europeo en el oriente” o “romances of the east with comfort of the west” (romanticismo oriental con confort occidental).

Hasta hoy la imagen de España está determina en gran medida por la formación de imágenes en el siglo XIX.

Un libro interesante sobre la historia cultural y de la literatura de Sevilla es: Seville, Córdoba and Granada. A cultural and literary history de Elizabeth Nash.

Este artículo lo escribí tras asistir a una conferencia en el Instituto Cervantes de Utrecht Het beeld van Spanje in de wereld, La imagen de España en el mundo, con Ángel del Prado en el año 2007. A raíz de mis vacaciones en Sevilla he adaptado el artículo original.

Como dato de interés podemos destacar la reciente exposición en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, sobre el viajero hispanista Richard Ford. Ford escribió el libro Manual para viajeros por España y lectores en casa y realizó muchos dibujos durante su viaje, aunque no se llegó a conocer por esta habilidad. La exposición es una muestra de los dibujos que hizo durante los años 1830 a 1833.

Por María Nieto

El viernes 16 de enero de 2015 arrancó la Bienal de Flamenco en los Países Bajos. El Instituto Cervantes de Utrecht participa con actuaciones y también con una exposición homenaje, con fotos de Chema Conesa.

Un poco de historia:
El flamenco fue reconocido en el año 2010 como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

Esta expresión artística constituye la seña de identidad de nuestra cultura mas universalmente reconocida. Su imagen, su sonido, su espíritu apasionado y desgarrado, define a los ojos del mundo exterior el universo de la idiosincrasia hispana.

Como expresión artística, el flamenco fusiona el cante, el baile y el acompañamiento musical o toque. La guitarra como instrumento rey, pone el sonido base sobre el que la voz y el ritmo dibujan los diferentes modos de interpretación. –los palos,- y en estos se recoge todo el recorrido expresivo de un arte que nace para la alegría y la tristeza, la pasión y el dolor, el recogimiento y el sobresalto, la tradición y la renovación.

El flamenco tiene en su adn la diversidad cultural de su procedencia, el arraigo identitario en la sociedad que lo vive, la tradición oral y una vocación abierta a la fusión con otras expresiones artísticas.

Su peso en la cultura española es cada día más y mejor reconocido, su estudio nos descubre la fusión cultural integradora que ejerce en la diversidad de este país. Su duende, evoca todo lo mágico de una expresión artística que consigue universalizar su mensaje pasional.

Origen de la exposición:
Como reivindicación y homenaje a los artistas y trabajadores de este género, la Comunidad de Madrid con motivo del festival Suma Flamenca, propuso una exposición de fotografías de gran formato instaladas en la calle Fuencarral, ubicadas en el boulevard entre la glorieta de Quevedo y la de Bilbao.

Se trata de retratos en los que aparecen en parejas, identificadas con sus nombres y oficios, las grandes figuras de este arte junto a trabajadores, técnicos, artesanos, cuadros del toque y del baile, hosteleros y empleados de esta industria cultural que han mantenido la llama viva de esta identidad en perpetua evolución, y han conseguido convertirse en aspiración y meta de prometedores aspirantes de este género.

Los retratos buscan una igualdad en el plano fotográfico al ser todos de cuerpo entero y sobre fondo negro. En cuanto a su contenido, los protagonistas aparecen en sus trajes habituales de trabajo. En cuanto a su expresión, aparecen en actitud serena, buscando la sobriedad en el gesto y evitando lo interpretativo.

Las fotografías estuvieron colocadas en ambas caras de monolitos alquilados para la ocasión, de 170 cms de ancho por 236 cms de alto, que pesan por unidad 375 kilos, asegurados en estabilidad y eficacia ante cualquier fenómeno atmosférico y ya utilizados en otros eventos similares. Su instalación requirió de una grúa pluma situada sobre el camión que los transporta.

Su colocación en la zona peatonal de la calle Fuencarral tuvo la función de crear un pasillo jalonado por los enfrentamientos de los monolitos en las zonas libres de terrazas o parques infantiles existentes en esa calle. Su colocación fue perpendicular a las fachadas de los edificios, permitiendo crear un diálogo entre el discurso de los monolitos. Una hilera se colocó aproximadamente en la línea de farolas y la otra en la línea de bancos, lo que permitió dejar una avenida libre de más de cinco metros de ancho por donde pasear y contemplar a ambos lados las imágenes al caminar, fuera cual fuese la dirección de la marcha.

El número de fotografías estuvo entre 30 y 40, dependiendo finalmente del número de monolitos adecuado, que se fijó entre 15 y 20.

Las imágenes se imprimieron con tintas av que consiguieron una luminosidad alta bajo luz residual de farolas públicas. Estuvieron adhesivadas sobre dibón rígido y con un tratamiento anti graffiti, que permitió una fácil limpieza inmediata. Su instalación sobre los monolitos se hizo por la parte superior de los mismos, lo que evitó cualquier manipulación no deseada.

Una vez finalizada la exposición, la Comunidad de Madrid ha conservado los paneles de las fotografías para su eventual exhibición en otros eventos.

Bajo la supervisión de la Dirección General de Artes Escénicas, el comisariado y la dirección y realización artística de este proyecto corrió a cargo de Chema Conesa, que ha contado con la colaboración de los responsables del festival Suma Flamenca, la coordinación de Lidia Lechado, el estilismo y maquillaje de Germán Cabrera, y la ayuda técnica de Marcos García.

Las fotografías han sido realizadas en las instalaciones de los Teatros del Canal.

La exposición en Utrecht:
Las fotografías expuestas ahora en Utrecht, son una muestra de las imágenes tomadas por Chema Conesa con un formato adaptado al espacio del edificio del Instituto Cervantes. Si bien la presentación se aleja de la forma y el objetivo del proyecto original, si que comparte su esencia en cuanto a hacer un homenaje al flamenco con fotografías de una calidad técnica y estética excepcional. Ya no sólo la luz o los personajes conocidos y desconocidos, sino la composición, las líneas, los colores… todo se aúna para hacer de esta exposición un visita que merece la pena.

Por Neri Arjona De Santiago, profesora
Fotos: cortesía de William de Jesús Carsolio Hernández y de Ricardo Holtkamp Arjona

¿Quién no recuerda los nervios de la noche del 5 de enero, la velada previa a la llegada de los Reyes Magos? Infinidad de preguntas acudían a nuestra mente, ¿me habré portado lo suficientemente bien este año? ¿Me traerán todos los regalos que les he pedido? ¿Llegarán a tiempo?

Esta celebración tiene un origen bíblico. Al inicio del Nuevo Testamento, en el Evangelio de San Mateo puede leerse esto: {Los sabios de oriente} “entraron en la casa, vieron al niño {Jesús} con su madre María y lo adoraron postrados en tierra. Abrieron sus cofres y le ofrecieron como regalo oro, incienso y mirra”.

Con el devenir del tiempo, estos tres personajes se fueron transformando hasta llegar a convertirse en lo que son ahora, los tres Reyes Magos. Sus nombres, el lugar de donde provenían y el transporte que usaban también han ido enriqueciéndose con el paso del tiempo. Así, Gaspar proviene de Oriente Medio y monta en un camello; Melchor es europeo, con barbas blancas y se transporta en un caballo; y Baltasar viene del continente africano, monta en un enorme elefante y su tez es de color obscuro.

Sin duda también los regalos han evolucionado con el tiempo. Los pequeños ahora reciben consolas de videojuegos. Pero la ilusión que esta fiesta ha traído a los niños de distintas generaciones es la misma año tras año.

En la mañana del 6 de enero y durante todo el día, mientras que los niños abren y disfrutan de sus regalos, adultos y pequeños degustan la riquísima Rosca de Reyes. La Rosca de Reyes se comparte con colegas en el trabajo, con amigos y familiares en casa, acompañada de chocolate, café, atole o leche.

La Rosca de Reyes no es un pan común y corriente, pues en su interior alberga sorpresas. Escondidos dentro hay un número variable de muñequitos de plástico. Cada persona corta su propio pedazo de rosca. Si le toca uno ellos, tiene que encargarse de hacer o invitar tamales y atole el 2 de febrero, día en que se festeja a la Virgen de la Candelaria. ¡No es de extrañar que muchos prefieran tragarse el muñeco!

Indudablemente esta es una de las tradiciones más hermosas de inicio de año. Aunque la percepción varía si eres el padre o la madre que tiene que comprar los regalos, o si eres el hijo que los recibe.

Por María Nieto

El Instituto Cervantes se suma al Nieuwjaarsduik el 11 de enero de 2015, la fiesta de la ciudad de Utrecht que celebra el inicio del nuevo año cultural, con un programa variado de actividades para todos los públicos: música, talleres para niños, mini clases de español y un taller de cocina.

En cuanto al taller para niños, tenemos el placer de contar con Bygocha d’Amalia (Bayron Gomez Chavarria) y su taller Homenaje a Miró y a la Torre del Dom. Hablamos con este artista:

¿Como surge la idea del taller?
El Instituto Cervantes de Utrecht me contacta para preguntarme si puedo dar un taller el día 11 de enero del 2015, para empezar la jornadas de cultura los domingos, una actividad con niños entre 4 y 12 años, donde los niños puedan disfrutar haciendo arte. Ahí mismo surge la idea de hacer una torre de cartón entre 2 y 2.50 metros de altura, una torre que será construida con casitas de cartón en homenaje a la torre de la catedral de Utrecht y al gran maestro Joan Miró.

¿Por qué Joan Miró y la torre Dom de la catedral de Utrecht?
Porque la obra de Miró es un universo de sueños infantiles donde todo es posible, por el uso de sus colores primarios que mucho le gusta usar a los niños y por la inagotable fuente de fantasía que tiene los niños y la obra de Miró. Y la torre Dom de Utrecht por ser el centro de la ciudad, por su historia donde tantos adultos como niños les gusta ver y escalar y en la noches de luna llena sin aun conservamos nuestra infancia en el corazón, podemos ver volando alrededor de la torre animales fantásticos como un caballo con cola de delfín o un gato con alas de mariposa etc.

¿Como estimulas a los niños en su creatividad?
En este caso del taller les explicare un poco sobre la obra artística de Joan Miró, haciendo énfasis en sus propias ideas, estimulando sus talentos, que el maestro Miró y tantos otros fueron también niños como ellos, que no importa cometer errores porque en arte es necesario para ser un gran artista y ellos lo son y que lo bonito del arte es que te permite corregir el error con el color mismo. Se les enseña que deben mirar en sus mundo de fantasías y pintarlo, que debes concentrarse y sacar lo mejor de ellos. Competir es necesario pero con ellos mismo, la idea es que cada niño crea su propio arte. En mis clases el objetivo es que cada niño logre su propio lenguaje. Al final cada niño explica su obra, luego los otros niños o adultos presentes pueden preguntar y también hacemos un cuento si es necesario sobre la obra terminada.

Pasos del taller
1 – Breve introducción sobre la obra de Joan Miro.
2 – Formas y colores básicos ( triángulo, rectángulo, cuadrado el circulo, colores primarios y secundarios)
3 –  La limpieza en el trabajo.
4 – Concentración.
5 – Cada niño recibe su casita de cartón y la pinta con sus fantasías y sus colores.
6 – Cada niño recibe sus colores y pinceles y ropa especial para pintar, en este caso yo llevo todo ese material así que los padres no debes preocuparse por nada, los niños entran limpios al taller y salen limpios, así que en es sentido no hay preocupación.
7 – Al final entre todos construimos la torre de la catedral de Utrecht y cerramos con la exposición de la torre donde los niños explicarán o harán una historia sobre la torre, la cual quedará expuesta como una escultura en el Instituto Cervantes de Utrecht, firmada por todos los participantes.

La experiencia de trabajo con los niños
Soy un artista de Nicaragua, un país que queda precisamente en el centro de América rodeado de mares, lagos y volcanes. Ahí estudié entre 1990-1995 en la Academia de Bellas Artes y allá daba clases en la Academia a estudiantes adultos y eventualmente a niños. Mi experiencia con niños en Holanda es única. Vine a vivir a Holanda en febrero del 2005 y desde 2006 hasta la actualidad imparto clases de arte a niños de 1 a 4 años en KDV Tomaz y desde el grupo 1 hasta el grupo 8, en las escuelas de primaria de Kanalenieland, en Anne Frank School, Hart van Noord, Panda, Lukas en Zevengaven, Schateiland, Kaleidooskop Marco pololaan, columbuslaan en Da Costa School.

Trabajar con niños en una gran academia para mi, ya que me ha permitido regresar a mi mundo infantil. No basta tener un diploma de una academia de arte, sino el amor de trabajar con niños, pensar y entender a los niños, buscar siempre cosas diferentes para estimularlos, buscar otra metodología y pedagogía, que es totalmente diferente que dar clases a adultos. En mi experiencia es vital escuchar las ideas de los niños, porque puedo tener una idea y los niños otra, en ese momento debo ser capaz de adaptarme a sus ideas y por eso digo que también aprendo de los niños.

En cada clase los niños deben explicar su obra, cual es su visión y los demás niños pueden peguntar. Con sus historias yo aprendo mucho también.

Con mi experiencia he descubierto que cuando se evalúa un obra infantil debemos hacerlo desde la altura del niño, desde el mundo infantil y no desde nuestro mundo de adulto. Para los niños un verde es una montaña, el azul es cielo, el amarillo es un sol, etc., sin embargo para los adultos quizás solo sean colores, por eso digo a los padres que regresemos a nuestra infancia para evaluar la obra de los niños.

Algo hermoso es que los niños están limpios sin contenidos de televisión o de museos etc.,  sus mentes están limpias de tanta información que a veces a nosotros los adultos nos matan la creatividad y nos impiden soñar. Los niños al estar limpios, su mente se abre y pueden crear cosas maravillosas como una forma de expresar su alegría, su paz, su libertad y su amor.

Los datos prácticos de la actividad pueden consultarse en:
Taller Homenaje a Miró y a la Torre del Dom

Por Neri Arjona De Santiago, profesora
Fotos: cortesía de Melissa Torrecilla Aguirre y Ricardo Holtkamp Arjona

Una fiesta sin piñata, ¡impensable! Sobre todo si se trata de celebraciones infantiles o de las tradicionales posadas en diciembre.

Así como la piñata oculta en su interior tesoros que no pueden ser apreciados a simple vista, su origen también encierra secretos, que constituyen una amalgama de elementos prehispánicos y españoles.

El origen azteca de la piñata parte del culto a Huitzilopochtli, el dios principal de los mexicas. El nacimiento de esta deidad se celebraba en diciembre. Como parte del festejo se incluía un recipiente de cuero tejido con plumas multicolores. El ritual consistía en pegarle a éste con un palo hasta que se rompía y los tesoros en él contenidos caían a los pies del ídolo.

En Occidente, las piñatas llegaron a España a través de Italia, pero no fue ahí donde vieron la luz, sino en China, de donde Marco Polo las llevó a su país. En China, las piñatas se usaban en las celebraciones de año nuevo. De Italia, la tradición se extendió a España.

En el tiempo de la Colonia, la piñata fue utilizada como un instrumento para difundir la religión católica entre los indígenas. Los misioneros españoles usaron la alegoría de la piñata para evangelizar. Así, la piñata simbolizaba al diablo y, los siete picos, los siete pecados capitales. Los colores llamativos y brillantes representaban la tentación. Los dulces y demás cosas que se encontraban en su interior eran una alegoría de las bienaventuranzas y recompensas que se recibirían al golpear al pecado con la fe, una analogía del palo que se usaba.

Las piñatas tradicionales se hacen colocando dentro de ellas una olla de barro que es en la que se depositan los dulces o sorpresas. Después se procede a cubrirla con papel de china de diferentes colores. A esta misma se adhieren siete conos o picos que terminan dándole la forma de una estrella. La piñata se rellena con dulces y frutas de temporada, cacahuates o pequeños regalos. Debido a algunos accidentes como cortaduras o golpes, ahora muchas piñatas se hacen cubriendo con varias capas de papel periódico un globo inflado, el que después se pinchará pero que ya habrá dado su forma a la piñata. Parte esencial de la piñata es el palo que se usa para romperla y que también va profusamente adornado. La piñata se cuelga de una cuerda y una persona es la encargada de moverla. Otra opción es que dos personas sujeten los extremos de la cuerda.

El momento de romper la piñata constituye todo un ritual. Primero, si las personas que van a participar son niños mayores o adultos, se procede a ponerles una venda en los ojos a cada uno al momento de pasar. Se le pone el palo en la mano y se le dan algunas vueltas para que pierda la noción del espacio y no pueda localizar la piñata. Entre tanto, el que está o los que están sujetando y moviendo la piñata “provocan” al que quiere romperla rozándolo con ella.

Cuando cada uno va pasando a romperla se le canta al participante: “¡Dale, dale, dale, no pierdas el tino, porque si lo pierdes, pierdes el camino; ya le diste una ya le diste dos, ya le diste tres y tu tiempo se acabó!” Otra versión es: “¡Dale, dale, dale, no pierdas el tino, porque si lo pierdes, pierdes el camino; dale, dale, dale, dale y no le dio, quítenle la venda, porque sigo yo!”. Aparte de participar cantando, el resto de las personas se ocupan de confundir al que está en turno diciéndole, a tu izquierda, cuando la piñata en realidad está a la derecha, o arriba, cuando la piñata está abajo. Con estas instrucciones equivocadas se producen situaciones realmente cómicas.

Una vez que la piñata ha sido rota y el contenido cae al suelo, es el momento en que niños y mayores se abalanzan para atrapar la mayor cantidad de los tesoros en ella contenidos.

La piñata tradicional es la de picos, pero actualmente, para las fiestas de cumpleaños infantiles las hay que representan a superhéroes, princesas, o cualquier otro diseño que esté de moda y que coincida con la temática de la fiesta. Las piñatas en forma de cubo y con globos dentro también son muy populares.

Poco a poco, las piñatas se fueron convirtiendo en un elemento importante de la cultura mexicana. Hasta el punto que ahora, en el extranjero, piñata equivale a México. El hacer piñatas es considerado por muchos como un arte y hay piñatas que son unas verdaderas joyas y a las que romperlas constituye una verdadera pena.

Dale, dale, dale, no pierdas el tino,
porque si lo pierdes, pierdes el camino…